A história da animação japonesa está repleta de produtos politicamente empenhados. Desde as primeiras produções deste género, como O que importa no mundo é a força e as mulheres, realizada por Masaoka Kenzo nos anos 30, até aos dias de hoje. Basta pensar no toque ecocrítico e pacifista que emerge de muitas das obras de Hayao Miyazaki ou em longas-metragens muito recentes que abordam questões socialmente relevantes, como A forma de uma voz, de Naoko Yamada, ou O castelo invisível, realizado por Keiichi Hara.
Lançado nos cinemas japoneses em 2021, Inu-Oh, de Masaaki Yuasa, é um manifesto político centrado nos temas da interseccionalidade, identidade e luta social. Irreverente, visionária e única, a longa-metragem passa-se na Quioto do século XIV, no período Muromachi. Aqui, a história dos Heike, um clã massacrado pelo clã Genji, caiu no esquecimento ao ser reprimida pelos vencedores. Estes colonizaram o imaginário histórico oficial, impondo uma única versão dos factos e fazendo desaparecer das narrativas públicas qualquer referência à existência dos Heike. É neste quadro que entram os dois forasteiros cuja tarefa é trazer à superfície estas histórias proibidas. Ao fazê-lo, ambos iniciam uma jornada de autodeterminação e rebelião contra a ordem estabelecida.
E os dois protagonistas? O primeiro, Tomona, é um monge que toca biwa (alaúde típico de cabo curto). Depois de perder o pai na sequência da descoberta de um artefacto misterioso, Heike fica cego e, já adulto, procura saber a verdade sobre este destino junto do shogunato. Inu-Oh é uma criatura semi-demoníaca deformada desde o nascimento. Desprezado pelo pai e praticante do teatro Sarugaku, é obrigado a esconder o rosto atrás de uma máscara.
Uma das mensagens políticas mais importantes do filme emerge logo no primeiro encontro entre as duas personagens. À medida que se vão conhecendo, parecem quase imunes aos preconceitos, medos e rótulos estereotipados a que as pessoas fora do comum são frequentemente sujeitas nas sociedades.
O facto de Tomona, sendo cego, não se sentir de modo algum condicionado ou assustado pela deformidade de Inu-Oh é um convite a todos os indivíduos de todas as idades para que ultrapassem o seu ângulo visual para além das aparências e daquilo que certas perspetivas difusas e heterónomas nos querem fazer ver. Por seu lado, Inu-Oh parece fascinado pela cegueira e pelo génio rebelde do bonzo e, impulsionado pelo ritmo da sua música, descobre que tem talento para a dança.
A partir deste momento, o que entra em jogo é a vontade dos dois artistas de aparecerem juntos numa parceria humana e artística que os aproxima precisamente em virtude do seu estatuto de pessoas pertencentes a minorias, com vidas precárias. A sua aliança pode ser vista como uma aliança de corpos, onde os atos corporais se tornam um facto performativo. Vejamos como.
Quebrar as fronteiras de género no Japão antigo
Hoje em dia, cada vez mais crianças e adolescentes afirmam colocar-se fora das identidades sexuais atribuídas à nascença ou das expressões de género que lhes são dadas pela sociedade. Em 2019, o New York Times observou como os jovens da Geração Z preferiam escolher as suas próprias palavras para se descreverem, rejeitando rótulos pré-embalados.
Aqueles que se definem como fluidos de género dão origem a uma forma de ser, de aparecer, de sentir, que abrange um amplo espetro de configurações de identidade: masculino, feminino, neutro e não binário.
A ideia de que a fluidez dos géneros é uma caraterística típica da vida contemporânea está muito difundida, mas, na realidade, nas culturas indígenas, nativo-americanas e aborígenes existe há séculos.
Esta forma de escolher livremente o género no seu percurso biográfico pode ser encontrada na transformação física e moral de Tomona e Inu-Oh no Japão medieval. No decurso dos eventos, os dois intérpretes sofrerão uma metamorfose corporal, musical e espiritual, que envolverá o seu público popular e não só, num delírio estático e balançante.
Inu-Oh irá revolucionar-se a si próprio e à disciplina de Sarugaku, ofuscando os outros praticantes e a própria companhia de teatro do seu pai aos olhos da sociedade. Espetáculo após espetáculo, juntamente com Tomona (que assumirá o nome de Tomoari), derrubarão todos os obstáculos à livre manifestação de traços transgénero e/ou fluidos de género. Ambas adotam um visual que é uma hibridação de roupas tradicionais japonesas e roupas ou acessórios do estilo conhecido como glam rock, em voga nos anos 70 e 80 na América e na Europa. Os dois usam o cabelo comprido e em muitas cenas usam maquilhagem vistosa. Inu-Oh, nos seus movimentos e aparência, faz lembrar vocalistas muito famosos como Bowie, Freddy Mercury, Marc Bolan, Peter Gabriel; parece, por vezes, uma personagem de Velvet Goldmine (1998). Não é por acaso que a sua voz foi dobrada por Avu-chan, o famoso vocalista genderqueer da banda de rock japonesa Queen Bee.
Tomoari, com um visual muito andrógino, segue o estilo de grandes ícones como Zeppelin, Kiss, The Who, Iggy Pop. Ao misturar elementos extravagantes e tipicamente femininos com roupas transgressoras e combinações fora do comum, o tocador de biwa feminiza voluntariamente a masculinidade, como fizeram tantos artistas entre os anos 1950 e 1980. Entre outras coisas, a relação entre os dois protagonistas deixa entrever, de forma muito velada, que vai para além da mera comunhão artística.
O espetador tem a árdua tarefa de explorar, a partir de uma perspetiva interseccional, a forma como as várias linhas de identidade se cruzam à medida que emergem no conteúdo referencial da longa-metragem, observando as referências intertextuais, as mensagens, os estilos e as características do género.
Quebrar tradições com arte: uma rebelião descolonizadora
Para compreender plenamente Inu-Oh, é preciso ir ao cerne da mensagem que Yuasa quer transmitir: aprender sobre o que está por detrás das transformações que atravessam o homem e o mundo é a chave para nos aproximarmos da compreensão do que é a liberdade.
Em Inu-Oh, o poder expressivo da música transporta o homem para além de uma realidade colonizada pelos poderes históricos hegemónicos.
Através da ópera rock, presente, passado e futuro dialogam entre si, colocando em relação dialética a diversidade dos homens e os ideais políticos de uma época. A música, a política, as artes e a própria Quioto são transformadas pela rebeldia musical dos nossos heróis, numa fusão surrealista de tradicionalismo, folclore e modernidade.
Por exemplo, na atuação de Inu-Oh ao som das notas de Burial Mound of Arms, ao contar o destino dos Heike na batalha de Dan-no-ura, muitos elementos coreográficos fazem lembrar o videoclip Thriller de Michael Jackson. Isto é tanto em termos dos passos de dança, como coreograficamente ao nível da arquitetura do palco, onde os braços dos Heike como membros zombies pontuam o ritmo da narrativa teatral.
À medida que Inu-Oh prossegue com as suas atuações, o seu corpo começa a tornar-se humano, quebrando a maldição de que tinha sido vítima devido à ânsia de poder do seu pai. Porque é que isto acontece? Porque Inu-Oh traz de volta as histórias reprimidas dos Heike. Devolve-as ao povo japonês e permite assim que os espíritos do clã atinjam o nirvana. Ele muda a si próprio e, ao mesmo tempo, o mundo em que vive.
O mesmo acontece com Tomona. Ele é encarregado de narrar as façanhas de Inu-Oh, um aedo japonês, que conta as façanhas de um herói épico do Sol Nascente. Ao transgredir as regras musicais e de vestuário aprovadas pelo xogunato, ele chega à verdade sobre o parricídio ocorrido em seu passado.
Deixamos aos nossos leitores a tarefa de descobrir o final. Concluímos com as palavras da Wired, que apelidou o trabalho de Yuasa de “o mais belo concerto de rock animado (dos anos 1300)”, e com as de William Bibbiani, que, tal como explicado no trailer oficial do TheWrap, o descreveu como “a melhor ópera rock feudal-japonesa-hair-metal-demónica-curseira-série-assassina-política-tragédia do ano”.
