O festival cede à pop com as “Supergirls”, Charli XCX, Sabrina Carpenter e Chapell Roan, os cabeças de cartaz mais globais da sua história.
Barcelona exerce uma atração magnética sobre a criação contemporânea. Um centro nevrálgico que constitui este ecossistema é o primavera Sound, que este ano se realiza mais uma vez às portas do mar, no Parc del Fòrum.
A peregrinação internacional anual consolida o festival como muito mais do que um evento musical: é um fenómeno que coloca a capital catalã como um ponto de referência para o pulso artístico do momento. Na sua edição de 2025, o festival registou uma afluência recorde de 293.000 pessoas, tendo em conta as 71.000 pessoas em cada um dos três dias, às quais se juntaram 20.000 assistentes aos concertos nos recintos do primavera a la Ciutat, mais as 30.000 que assistiram ao Opening Day gratuito, as mesmas que desfrutaram da festa eletrónica de encerramento, primavera Bits by Nitsa.
A lotação esgotada foi alcançada cinco meses antes do início do festival, “foi uma edição histórica que transformou Barcelona no epicentro da música durante uma semana”, afirmou Alfonso Lanza, codiretor do festival, durante a conferência de imprensa realizada no passado sábado. E o facto é que a febre de viver o primavera Sound atravessou mais fronteiras do que nunca. O público internacional aumentou sete pontos em relação ao ano passado, representando 65% do total, com uma média de idades de 29 anos, que gastou 300 milhões de euros na cidade. Na edição deste ano, o público veio de 136 países diferentes, deixando poucos sem representação no espaço do Fórum e incorporando 13 novos países em relação à última edição. Os residentes de Barcelona representaram 25% do total, enquanto o Reino Unido foi, mais uma vez, o país com maior número de visitantes, seguido dos Estados Unidos e de Itália.
“Estamos no top 3 dos festivais internacionais, somos um festival competitivo”, afirma Marta Pallarés, responsável pelas relações institucionais do primavera Sound. Uma visão que está muito longe da primeira edição do festival, realizada em 2001 no Poble Espanyol. Os seus promotores, Alberto Guijarro, Pablo Soler e Gabi Ruiz, eram três nostálgicos fãs do indie dos anos noventa que trouxeram as suas bandas preferidas para a capital catalã.
A vocação internacional da edição deste ano reflectiu-se especialmente num dos destaques mais falados do cartaz, o concerto conjunto de Charli XCX e Troye Sivan, dois líderes da pop queer, que escolheram Barcelona para apresentar o seu único espetáculo conjunto na Europa sob o título SWEAT.
A atuação na primeira noite do festival foi um dos momentos mais celebrados e serve como emblema do espírito do evento, um cruzamento de estéticas, geografias e identidades que faz de Barcelona, durante uma semana e mais além, o epicentro emocional e criativo da música global.
A aparição do britânico em palco veio com um pormenor que não passou despercebido, deixando cair uma cortina com o já icónico verde brat, mas desta vez partido e salpicado de manchas castanhas, em perfeita sincronia com a capa modificada que tinha aparecido nessa mesma semana no Spotify. Uma declaração de intenções, dado que fazia exatamente um ano desde o lançamento do álbum. Esse verde ácido, tão contraditório quanto a época que representa, tornou-se tão identificável para a geração Z que a Pantone deveria considerar renomeá-lo oficialmente. É um manifesto visual, uma declaração de humor, nojo, ironia e desejo. Charli celebrou com uma atuação ao vivo abrasiva e retumbante, reinterpretando as suas canções como se precisasse de as partir em mil pedaços para as remodelar. “365”, “Von dutch”, “Everything is romantic”, longe da nostalgia, tudo soou mais cru, mais áspero, mais brilhante. Quando Chappell Roan apareceu nos ecrãs do palco para a dança viral de “Apple”, não foi apenas uma piscadela de olho entre as duas cabeças de cartaz, foi a cena final de um filme que esteve provavelmente um ano a ser feito, erigindo uma nova raça de rainhas pop, imperfeitas, rainhas queer cujo habitat natural nunca tinha sido o palco principal de um festival tão hegemónico.
Troye Sivan, por sua vez, encontrou o local perfeito para celebrar o seu 30º aniversário no mesmo palco, rodeado de gritos e abraços que irromperam da pista de dança. Tocou “Rush” e “One of your girls” como se fossem hinos de consagração pessoal, mas também geracional. O seu agradecimento ao público – pronunciado num espanhol duro mas doce – reforçou esta simbiose quase íntima. Momentos de cumplicidade entre os dois artistas que interagem entre si e cantam juntos duas colaborações, “1999” e um encerramento elétrico com “Talk Talk”.
O mesmo palco tinha assistido horas antes a uma liturgia num ritmo totalmente diferente. FKA Twigs teceu uma atuação suspensa entre uma pop difícil de categorizar, uma pop em que os rótulos e os pronomes não têm lugar. Com uma aura construída sobre dança concetual, e com um andaime de apoio – que mais tarde seria utilizado na apresentação da digressão SWEAT – o concerto assumiu uma identidade entre compassos de pole dance, mudanças de peruca, de tom e uma iluminação precisa que suportou a delicadeza de um set tão progressivo quanto delicado.
Embora o pop reine supremo na primavera, quando as primeiras horas da manhã chegam, os ravers saem das suas tocas. Brutalismus 3000 fez explodir os alicerces físicos e conceptuais do Parc del Fòrum. Victoria Vassiliki e Theo Zeitner apareceram com uma atitude de luta, armados com bases industriais, gritos guturais, bandeiras negras e um ritmo absolutamente imundo que transformaria o espaço numa rave pós-apocalíptica. A sua atuação ao vivo foi o que o seu nome promete: brutalismo sónico e batidas do ano 3000. Sem construções narrativas ou crescendos calculados, soaram como se os Kraftwerk, depois de uma má ressaca de pós-capitalismo e velocidade, tivessem decidido partir os seus próprios sintetizadores para fazer rave-punk num armazém ocupado. Uma sucessão de pancadarias abrasivas e rítmicas num festival onde muita da eletrónica pretende ser elegante, comercial, adequada a todos os públicos, Brutalismus 3000 escolheu encenar um exorcismo, ser feio, desconfortável e absolutamente memorável.
O segundo dia do festival aguardava a aguardada atuação de Sabrina Carpenter. Com uma proposta estética normativa de longos cabelos loiros, maquilhagem feminina e um vestido de lantejoulas, a artista americana deu uma lição de como construir uma estrela em frente ao espelho do TikTok. A sua estreia em Espanha foi um espetáculo de visuais cor-de-rosa, com ares campestres, coreografias milimétricas e um sorriso perfeito. Apesar de ter encerrado o concerto com “Espresso”, o seu tema de assinatura, a cantora causou furor com o seu já clássico momento “juno position”, que desta vez consistiu em disparar duas pistolas de confettis. A versão quente de “It’s raining men” foi outro dos pontos catárticos do concerto, com o público a dar o máximo e a fazer subir a temperatura atmosférica em Barcelona. “Guapa, guapa y guapa”, cantava o público como se fosse a Virgem da Macarena. “Não, outra vez isto não”, respondeu a estrela pop, confusa, sem perceber que estava a ser canonizada. Pouco depois, recebeu lições expressas de catalão do pequeno público local e acabou por dizer um ininteligível “T’estimo”, embora o que conta seja a intenção.
Quem não teve a vida facilitada foi a madrilena Carolina Durante, que jogou sobreposta a Carpenter. Apesar disso, um Diego Ibañez de muletas, ainda a recuperar de uma lesão nos ligamentos, conseguiu canalizar o horário nobre da cena nacional. Uma explosão energética com canções-chave da banda, como “Hamburguesas” ou “Normal”, a colaboração com Rosalía que atingiu o algoritmo de os músicos chulapos. A artista catalã esteve presente no concerto da banda, aparecendo ao lado deles num carro de golfe, embora não tenha subido ao palco em nenhum momento.
O túnel do final da noite foi animado pela DJ belga Amelie Lens, uma referência na cena eletrónica mundial. Tambores que pareciam ter um batimento cardíaco próprio ofereceram à multidão uma evacuação sensorial necessária, um espaço para se libertarem de todos os inputs que tinham recebido durante o dia. Com o seu corte long bob caraterístico, roupas pretas austeras e olhar imperturbável atrás dos decks, Lens exala estilo na sua língua favorita, o som. Seco, profundo e elegante, sem necessidade de barroquismo. O DJ representa uma ortodoxia techno que varre a pista de dança sem floreados ou concessões, apenas ela e a sua discrição no meio de um palco apenas apoiado por fumo artificial e flashes estroboscópicos.
O último dia do festival amanheceu com uma ressaca emocional, mas ainda havia grandes balas na câmara. A polifonia dos diferentes palcos foi coroada pelo último cabeça de cartaz, Chapell Roan. No palco Estrella Damm, sob um céu cheio de nuvens que nunca choveu, Roan apresentou-se não só como cantor, mas também como a encarnação de uma identidade performativa.
O tema de fantasia da sua encenação é coroado com um estilo de borboleta, uma aura gótica e uma maquilhagem impossível que transformam o referente lésbico numa artista versátil que leva a sua música ao limite do espetáculo drag. A teatralidade que caracteriza a sua abordagem é a declaração de princípios de alguém que não está a brincar às estrelas pop: ela é uma, e fá-lo à sua maneira. Antes do concerto, pediu aos fãs que expusessem os seus ex-namorados e depois leu as mensagens em palco. Entre confissões, auto-ironia e uma efusão de personalidade sem filtros, o público deu tudo de si com canções como “HOT TO GO!”, “Good Luck, Babe!” e “Pink Pony Club”.
Quando parecia não haver espaço para contenção, Amaia surgiu como uma brisa suave no meio do vendaval. Um dos concertos nacionais mais aguardados do dia, que a jovem ofereceu sem efeitos visuais explosivos ou cenários transbordantes. Baseou a sua proposta numa voz nua e suave, na delicadeza de uma velha artista, como se não fosse a primeira vez que actuava.
A respiração colectiva foi suspensa quando a cantora interpretou “Ya está” com harpa, mostrando mais uma vez que o termo artista não só é o que melhor define o seu , como o sabe exibir com galhardia. Não é uma contenção por timidez, medo ou insegurança, é uma contenção por convicção. Uma forma de resistência suave que se impõe sem violência, como quem sabe que não precisa de preencher o espaço para o habitar completamente. Amaia não precisa de se disfarçar de nada, basta-lhe ser exacta, uma fenda entre o excesso.
Na intimidade do palco Schwarzkopf, um espaço mais recatado do que diáfano, Yung Beef colocou o underground nacional no seu lugar. Lembrou-nos mais uma vez porque é que continua a ser, apesar de tudo, uma anomalia indispensável no ecossistema musical espanhol. O seu espetáculo ao vivo foi um caos premeditado, um fragmento de rudeza e de rua no meio do brilho pop. Não canta bem, não soa limpo, não procura a harmonia. Nem precisa dela: a sua música visceral e turva liberta um cheiro a esgoto, a feridas abertas, a verdade.
Num festival em que muitas propostas se conformam com o ritmo do apresentável, o seu foi um carisma de genuinidade contracorrente. O homem de Granada ofereceu uma descida ao seu próprio imaginário. Desde as origens, passando pelo reggaeton de La Mafia del Amor, pelos hinos quebrados, pelo seu alter-ego kitsch e desequilibrado, Fernandito Kit Kat, até aos temas mais recentes. Cada paragem foi uma dobra diferente da sua identidade: MC niilista, crooner autotunado em ruínas, amante tóxico, pregador desencantado, homem quebrado.
Não houve nostalgia, houve reapropriação. Longe de celebrar o seu passado, ele retalhou-o e cuspiu-o como um ato de orgulho e auto-afirmação. O espetáculo foi uma procissão profana pelos seus infernos, onde o visual falava de pecados e o som de redenção falhada. O fim da liturgia invertida veio com “Ready to die”. Não como um hit de encerramento, mas como uma oração distorcida, uma oração da lama. Uma canção que não se canta, se arrasta, que não busca consolo, busca confissão. A última paragem de uma rota de demónios que não se exorcizam, mas que se deitam connosco.
A edição de 2025 reforçou a sua internacionalização com a escolha de artistas mais mainstream, que este ano optou pelo trio de divas pop do momento, baptizadas de “Supergirls”. Headliners imensamente populares entre a geração Z e musas do público LGTBIQ+ que representa o festival.
O primavera Sound conseguiu tornar-se uma espécie de oásis queer durante um fim de semana prolongado que ganha cada vez mais adeptos a cada edição. Em plena negociação entre a Câmara Municipal de Barcelona e o primavera Sound SL para a renovação do evento no mesmo espaço “por mais três ou quatro anos”, segundo o codiretor do festival, a possível construção de um campo de futebol na plataforma marítima levanta questões sobre a continuidade do acordo. Os organizadores estão tranquilos, pois asseguram que têm o compromisso da Câmara Municipal relativamente à disponibilidade de um espaço crucial para os concertos, uma vez que é a localização dos palcos principais. Para já, as centenas de milhares de gays e raparigas que querem reviver uma semana de sonho podem ficar descansados, pois as datas da edição de 2026 já foram confirmadas entre 4 e 6 de junho do próximo ano.
